Qu’est-ce qu’un auteur ? Issu de la Nouvelle Vague française des années 1940, le terme « auteur » décrit un réalisateur de films qui a un style de réalisation très distinct et spécifique.
Ils ont tendance à avoir un contrôle créatif total sur leurs films, ce qui est évident lorsque vous pouvez instantanément dire qui a réalisé un film juste en le regardant se dérouler à l’écran. Par exemple, le style de Quentin Tarantino se caractérise par des effusions de sang, du racisme et des dialogues cinglants.
Les cinéastes d’auteur s’entourent souvent des mêmes acteurs et de la même équipe, et ils jouent souvent avec les mêmes thèmes et la même esthétique.
Voici quelques-uns des réalisateurs de cinéma les plus célèbres et ce que leur style cinématographique implique, des tropes narratifs aux types de plans de caméra en passant par l’étalonnage des couleurs en post-production.
11. David Fincher
Les films de David Fincher ont tendance à mordre dans un réalisme morne. Les décors urbains sont colorés de gris et de bruns pour peindre des lieux où se déroulent souvent des horreurs modernes.
Fincher a utilisé ces tons ternes pour refléter le mode de vie monotone du consumérisme capitaliste dans Fight Club, ainsi que la nature sombre des meurtres du Zodiac dans Zodiac.
Les rues pluvieuses et les costumes bruns jonchent les univers de Fincher, caractérisés par les thèmes du meurtre, de l’aliénation sociale et du tourment psychologique. Son approche méticuleuse et perfectionniste de la réalisation de films rend l’œuvre de Fincher extrêmement détaillée et immersive.
Le dialogue occupe une place importante dans la filmographie de Fincher, avec de longues scènes d’exposition soigneusement élaborées et exécutées. The Social Network, avec ses conversations construites en aller-retour, en est l’un des meilleurs exemples.
Fincher aime également la technique du split-comping (également appelée technique du split-screen invisible), l’utilisation de flashbacks et les rebondissements centrés sur les personnages. Dans Gone Girl, Seven et Fight Club, les spectateurs ont tous été choqués par les grandes révélations de Fincher.
10. Danny Boyle
Avec son protagoniste toxicomane, Trainspotting comporte de nombreuses scènes bizarres, comme un bébé qui rampe au plafond ou Mark Renton qui traverse les toilettes les plus dégoûtantes du monde pour se jeter dans l’océan. On retrouve cela plus tard dans les scènes kaléidoscopiques de La plage et de 127 heures.
Boyle est un auteur qui a du tranchant, utilisant un montage haché et fracturé pour refléter les états mentaux fragmentés de ses personnages (qu’ils soient drogués, affamés ou auto-mutilés).
Si vous êtes un amateur de films au rythme effréné, Danny Boyle est le réalisateur qu’il vous faut découvrir. Ses films sont rarement statiques, sautant d’un extrême à l’autre et fusionnant les paysages de rêve avec la réalité tout en éclatant de couleurs. Et n’oubliez pas les narrations en voix off !
9. David Lynch
Si vous pensiez que Stanley Kubrick était bizarre, essayez de pénétrer dans le monde et la filmographie de David Lynch. Le réalisateur a recours à la méditation transcendantale (comme il l’explique dans des interviews) pour trouver des idées et de l’inspiration pour les séquences oniriques de ses films.
Non pas que ses films soient fantastiques en soi, mais plutôt des versions tordues et cauchemardesques de la réalité. Les fuseaux horaires s’estompent, les rêves peuvent se confondre avec le jour et rien n’est tout à fait ce qu’il semble être. Son esthétique inquiétante est particulièrement évidente dans Eraserhead et Blue Velvet.
Il y a quelque chose de délibérément décalé dans les films de Lynch, quelque chose sur lequel on ne peut pas mettre le doigt, mais qu’on ne peut pas quitter des yeux.
Lynch utilise beaucoup de musique atmosphérique et de fondus enchaînés pour créer son ambiance. Les bruits de fond constants sont obsédants et hypnotiques, vous entraînant dans son monde d’obsession, de meurtre et de tromperie.
Ses films sont essentiellement des peintures surréalistes qui prennent vie. Un Salvador Dali moderne en mouvement, si vous voulez.
8. Woody Allen
Les films de Woody Allen sont comme une promenade tranquille dans un parc. La narration serpente à son propre rythme, suivant le fil des conversations. Ils sont principalement axés sur des thèmes domestiques, comme les relations et la culture pop, et mettent en scène des personnages blancs privilégiés.
L’un de ces personnages est souvent joué par Allen lui-même, qui a joué dans Annie Hall ainsi que dans Hannah et ses sœurs. Allen conserve un certain personnage à l’écran dans ses films : l’intellectuel nerveux et pourtant plein d’esprit.
L’apparition de Timothée Chalamet dans A Rainy Day in New York est sinistrement Allen-esque, bavardant et trébuchant à l’écran de façon névrotique comme une jeune version du réalisateur.
Les films de Woody Allen ont également tendance à être sarcastiques, bourrés de références intertextuelles et d’observations cyniques.
De plus, Woody Allen a un penchant pour les grandes villes – Paris, New York, Rome, etc. Il aime l’agitation de la vie urbaine, la romance de la pluie et beaucoup de nostalgie.
Les histoires d’amour, de jeunesse, d’identité et d’art qui se déroulent dans ces lieux sont très éloignées de l’aspect grinçant et aventureux des superproductions. Et si les films d’Allen sont souvent de petite envergure, ils sont ancrés dans la réalité, très divertissants et faciles à comprendre.
7. Quentin Tarantino
Le budget pour le faux sang dans les films de Quentin Tarantino doit être exorbitant. Ce réalisateur aime la violence, en particulier lors des grandes finales de ses films.
Et pourtant, les batailles finales gorgées de Tarantino sont souvent précédées de nombreux dialogues lourds et superficiels. Certaines de ces conversations sont si tendues que vous vous surprenez à retenir physiquement votre souffle.
En fait, la maîtrise de la tension par le dialogue est l’un des meilleurs triats de Tarantino. Prenez, par exemple, l’ouverture d’Inglorious Basterds, qui est analysée par les étudiants en cinéma du monde entier.
Christoph Waltz joue un officier nazi qui pénètre dans une ferme française, où une famille juive se cache sous le plancher. Le sourire indéchiffrable de Waltz ne permet pas de savoir s’il est au courant de l’existence de cette famille, et on pourrait couper la tension dans cette ferme avec un couteau.
Le film est suivi, bien sûr, d’une fusillade. Tarantino oscille souvent entre des atmosphères silencieuses tendues et des séquences d’action explosives de cette manière. Il faut s’y habituer.
Les personnages de Tarantino ont souvent des conversations excessivement détaillées, généralement dans des restaurants, des dîners et des cafés, parfois à propos de rien en particulier. Dans Reservoir Dogs, il y a une scène entière où les voleurs de diamants discutent des avantages et des inconvénients de la culture du pourboire.
Voici quelques thèmes clés à rechercher dans un film de Tarantino : le crime, l’argent, la mort, l’humour et la vengeance.
Parmi ses techniques de caméra préférées, citons les prises de vue à partir du coffre d’une voiture, les travelling et les vues à vol d’oiseau. Il aime utiliser des éclairs en noir et blanc (en particulier dans les films Kill Bill) ainsi que des chorégraphies et des affrontements mexicains.
6. Stanley Kubrick
Stanley Kubrick est surtout connu pour son utilisation de la symétrie. Il y a généralement un horizon clair qui traverse l’écran, et tout est organisé de façon nette et précise dans le cadre.
L’utilisation fréquente par Kubrick de la perspective à un point a donné lieu à des plans emblématiques, tels que le couloir de l’hôtel dans The Shining ou l’image ci-dessus de 2001 : L’Odyssée de l’espace.
Kubrick a réalisé plusieurs films qui ont fait date, et ces films comportent souvent des prises de vue courageusement longues (et bizarres). Kubrick n’a jamais pris de raccourci pour quoi que ce soit, la plupart de ses films ayant des durées épiques qui ont dû être réduites pour les salles de cinéma.
Sur le plan thématique, Kubrick oscille entre l’étrange et le pervers. A Clockwork Orange est célèbre pour sa controverse et a même été interdit en Grande-Bretagne après avoir inspiré une série de crimes imités.
Des personnages traumatisés, des tueurs fous, des cultes érotiques et des ordinateurs maléfiques constituent une filmographie très sombre. Cela dit, ce sont des chefs-d’œuvre soigneusement construits qui méritent néanmoins d’être vus.
5. Christopher Nolan
Christopher Nolan adore s’amuser avec votre esprit, notamment en manipulant le temps. Et il ne s’agit pas d’un simple voyage dans le temps. Non, ce serait trop facile pour Nolan.
Sa fascination pour les concepts temporels se retrouve dès ses premières œuvres, où le protagoniste de Memento recouvre son corps de messages pour lui-même car il souffre d’amnésie antérograde.
En outre, les planètes (et les dimensions) s’écoulent à des rythmes différents dans Interstellar, tandis que le temps s’inverse sur lui-même dans Tenet. Comme le titre même de Tenet, le temps est le même en avant qu’en arrière dans le dernier thriller de Nolan.
Et quand Nolan ne joue pas avec le temps, il joue avec l’espace. Les murs se plient et la gravité se déplace dans Inception, où les personnages peuvent entrer dans leurs rêves et les contrôler.
Les films de Nolan sont souvent tournés dans le monde entier, car il aime chercher des lieux vastes et étendus pour ses histoires épiques. Il s’agit généralement de films d’action ancrés dans le drame, comme le dur labeur émotionnel de Dunkerque en temps de guerre ou la relation père-fille dans Interstellar.
En ce qui concerne l’apparence, les films de Nolan sont généralement modernes et épurés. Les palettes de couleurs sont dominées par des tons froids d’argent et de gris – paysages urbains, voitures de luxe et garage souterrain de Batman.
Nolan a également une conception sonore caractéristique, qui consiste souvent en une accumulation de sons inspirés de la science-fiction. Si vous voyez ses films en IMAX (ce que nous vous conseillons de faire !), vous pouvez sentir la musique viscérale vibrer littéralement dans votre corps.
Pour le meilleur ou pour le pire, les films de Christopher Nolan sont toujours incontournables car ils sont plus que de simples films. Ce sont des expériences.
4. Wes Anderson
Wes Anderson est l’un des auteurs les plus évidents qui viennent à l’esprit lorsqu’on parle de réalisateurs emblématiques ayant du style. Il est le roi de « l’Indiewood », qui fusionne le cinéma d’art et d’essai indépendant avec le grand public hollywoodien.
Visuellement, ses marques de fabrique sont les plans symétriques, les cadres dans un cadre et les mises en scène coordonnées. Par exemple, la chambre entièrement jaune de l’Hôtel Chevalier et l’hôtel et la boulangerie roses de L’Hôtel du Grand Budapest. Ses films sont toujours lumineux et agrémentés de couleurs gaies – tout le contraire de quelqu’un comme David Fincher.
Sur le plan narratif, Wes Anderson se concentre sur les dynamiques familiales dysfonctionnelles (en particulier les figures paternelles), les personnages enfantins et les thèmes de la mort (traités de manière sombrement comique). Il y a une qualité surréaliste dans son travail, qui marie des personnages optimistes avec une comédie pince-sans-rire et une cinématographie très stylisée.
Wes Anderson opte souvent pour des accessoires fabriqués à la main plutôt que des accessoires réalistes, ce qui donne à ses chefs-d’œuvre un aspect rustique de film de famille.
3. Guillermo del Toro
Guillermo del Toro se distingue de la plupart des autres réalisateurs par son sens tordu du fantastique et son amour du surnaturel. Il ne s’agit pas d’une fantaisie de type « grand public », mais d’une fantaisie sombre et moralement ambiguë qui symbolise des vérités plus profondes.
Del Toro aborde le politique et le religieux, les fantômes et les animaux étranges, l’innocent et le mal. Il aime explorer des idées énormes et lourdes à travers ses lentilles magiques, diluant les qualités enfantines de ses films avec des sujets plus sinistres comme la guerre, les abus et la mort.
Doug Jones est l’un des acteurs préférés de del Toro, même si vous ne le reconnaîtriez pas forcément, car Jones est toujours paré de costumes effrayants (bien qu’impressionnants et détaillés). Il a déformé son corps en incarnant l’Homme pâle et le Faune dans Le Labyrinthe de Pan, et l’Homme amphibie dans La Forme de l’eau.
Les protagonistes de Del Toro sont généralement des parias au grand cœur et aux vies troublées. Il s’intéresse aux outsiders, à la nature, à l’amour, à la décadence et au vrai mal.
Les teintes vertes émeraude ont tendance à dominer la palette de couleurs de Del Toro, soutenues par des tons métalliques d’encre de noir et de gris, qui s’unissent pour peindre les forêts moussues et les laboratoires soviétiques des paysages de Del Toro.
Des images catholiques obsédantes parsèment son œuvre, et il n’a pas peur de repousser les limites de ce que le grand public peut apprécier sans être trop dérangé !
2. Alfred Hitchcock
Alfred Hitchcock est l’un des auteurs originaux du cinéma. Ce réalisateur légendaire était un artiste méticuleux qui planifiait des story-boards détaillés pour chaque image de ses films.
Les mouvements de caméra d’Hitchcock sont contrôlés avec précision et délibérés, utilisant de façon magistrale le blocage des personnages et le travelling pour présenter l’écran comme un échiquier de joueurs.
Parmi ses conventions fréquentes, citons les personnages féminins blonds (qu’il tue, ce qui lui vaut une réputation de misogyne), les oiseaux (comme en témoignent Les oiseaux, Vertigo et même Norman Bates qui empaille des oiseaux dans Psycho) et les motifs de la police, du crime et du meurtre.
Hitchcock a été un pionnier du genre du thriller, donnant naissance au sous-genre du slasher avec la tristement célèbre scène de la douche dans Psychose. Chaque méthode, technique et élément de mise en scène est intentionnel.
Par exemple, le contraste flagrant du rouge et du vert dans Vertigo signifie délibérément l’amour et l’obsession dangereuse de Scott, ainsi que la présence mythique et inquiétante de Madeleine. Les deux teintes sortent de l’écran, fusionnant et se croisant symboliquement au fil de l’histoire.
De plus, vous savez qu’il s’agit d’un film d’Hitchcock lorsque Bernard Herrmann signe la partition et que Jimmy Stewart est la vedette parmi une brochette de personnages moins héroïques.
1. Tim Burton
Tim Burton est le maître du cinéma gothique. Ses films d’animation en argile sont souvent marqués par des protagonistes squelettiques et des yeux enfoncés, qui sont des curiosités uniques à voir.
Ses mondes fantastiques animés et désaturés, peuplés de fantômes et de goules, constituent un excellent divertissement familial, depuis Les cauchemars avant Noël jusqu’à Corpse Bride.
Ses films en prises de vue réelles sont tout aussi brillamment gothiques et mettent souvent en scène Johnny Depp et/ou Helena Bonham Carter.
Edward aux mains d’argent (Edward Scissorhands) met en scène un protagoniste blanc pâle, marqué de cicatrices, vêtu d’une tenue à boucles noires et ayant des ciseaux à la place des mains. Dark Shadows met en scène un vampire portant une cape noire et de longs ongles. Sweeney Todd : The Demon Barber of Fleet Street est dirigé par un barbier meurtrier avec une mèche blanche dans ses cheveux noirs crépus.
Tous ces protagonistes à l’allure effrayante et tout à fait burtonienne sont interprétés à la perfection par Johnny Depp.
Aucun des personnages de Burton ne semble avoir pris le soleil de sa vie. Leur peau est aussi blanche que des draps blanchis, et ils sont souvent entourés de pluie et de brouillard. Les films de Burton sont pleins d’atmosphères sombres qui sont parfaites pour Halloween.. :